La Tierra no es el centro del Universo

15 11 2009

Este otoño estrenaba película el director español más ambicioso del cine patrio: Alejandro Amenábar. Cada nuevo proyecto en el que se involucra conforma más novedades que necesidades de continuar con una carrera vigilada, analizada y disfrutada por muchos.

Su nuevo film, Agora, lo ha llevado esta vez a la Alejandría del siglo IV, donde las escuelas de ciencia y filosofía, heredadas de los griegos, se las verán con los cambios políticos y, sobre todo, religiosos, acontecidos en esa época, ya tardía, del Imperio Romano.

agora

Podríamos decir que la película tiene dos centros argumentales: uno humano, representado en la figura de Hipatia, filósofa y maestra, natural de Egipto, que destacó en las matemáticas y la astronomía; otro racional y cultural, basado en cómo la política y el poder religioso puede anular el avance científico y filosófico, a pesar de la importancia de las ideas del momento.

Las críticas publicadas a razón de esta película tienen un denominador común, más o menos general: técnicamente, la película es un espectáculo cinematográfico; pero el argumento, por momentos, cansa y flojea.

He de confesar que, de unos años para acá, la expectación que siento ante estrenos como éste provoca en mí un ansia de información actualizada que, seguramente, empeora o distorsiona en parte mi visión final del film en cuestión. Casualmente, en el caso de Agora, a pesar de la fuerza que ha tenido la línea crítica acontecida, mi disfrute personal y cinéfilo se han visto recompensados.

Agora es una película redonda, tanto técnica como argumentalmente. No debe ser fácil llevar a cabo un proyecto tan ambicioso, ya que hay que tener un par de narices para crear un espectáculo ambicioso y caro en base a un discurso profundo y necesario. Y eso es Agora; una película sobre el pensamiento científico, sobre la vida dedicada al saber y al conocimiento… y sobre cómo todo eso se llega a destruir gracias al fanatismo del poder en nombre de iconos y doctrinas religiosas imperantes.

Es probable que, al dedicarme a la ciencia, haya podido disfrutar y sentir la forma argumental y el ritmo narrativo de una manera más personal. Las escenas en las que Hipatia se preguntaba y ahondaba en las teorías y razonamientos, ajenos y propios, se me tornaron de una belleza mágica y cautivadora. Puede que, en nuestros tiempos, nos cueste entender la importancia crucial que tuvieron los trabajos y estudios de estos pensadores para el desarrollo científico posterior; el hecho de disponer de imágenes, aunque sean ficticias, suponen una mano amiga hacia una imagen más cercana y entendible.

En resumidas cuentas: Agora es una película fantástica, con una temática absolutamente contemporánea, con un guión profundo, vibrante e interesante; con una factura técnica prácticamente perfecta, como nos tiene acostumbrados el señor Amenábar… No hay muchas pegas que poner, la verdad…

Evidentemente, no es una película perfecta: hay actores que se ven sobrepasados por sus roles, pero son compensados por actuaciones brillantes, emotivas y de gran credibilidad. Ejemplos de esto último: Rachel Weisz y Max Minguella. Los planos “a lo google earth” (como muchos los han bautizado) pueden llegar a cansar un poco, aunque yo los considero muy certeros para incentivar la idea de que los avances astronómicos narrados son mucho más cruciales en la historia de la humanidad que los acontecimientos puntuales de los seres humanos que habitaban Alejandría, o el mundo en general, en ese momento.

Leyendo una crítica de un usuario de filmaffinity he podido conocer datos muy interesantes sobre el contexto histórico de la película. Por ejemplo, el lugar asaltado por los parabolistas cristianos no corresponde a la Biblioteca de Alejandría, sino al Serapeum (de hecho, ahora creo recordar que se utiliza esa palabra en los diálogos, aunque me pasó desapercibida al primer momento), que era el templo dedicado a Serapis, el dios ese egipcio que tenía el jarrón en la cabeza. Allí, se guardaban los restos de la anterior biblioteca de Alejandría, desaparecida o destruida con anterioridad a ese momento.

Leyendo la crítica de otro usuario de filmaffinity, he podido saber que Amenábar leyó varios libros de Carl Sagan, sirviéndoles de gran ayuda. En uno de ellos, Cosmos, el escritor idealizaba a Hipatia como “un atisbo de razón antes de que la sinrazón humana nos trajera siglos y siglos de Edad Media y oscurantismo”. Este mismo usuario comienza su crítica con una cita de otra obra de Sagan que me parece simplemente maravillosa:

Mira ese punto. Eso es aquí. Eso es nosotros. En él se encuentra todo aquel que conoces, o del que has oído hablar, cada persona que existió y vivió su vida. La suma de nuestra alegría y sufrimiento, miles de religiones, ideologías y doctrinas, cada héroe y cobarde, creador y destructor, rey y campesino, cada pareja enamorada, madre y padre, niño, inventor y explorador, cada maestro de moral, cada político corrupto, ‘superestrella’, ‘líder supremo’, cada santo y pecador en la historia de nuestra especie vivió ahí, en una mota de polvo suspendida en un rayo de luz del sol.

Carl Sagan. Un punto azul pálido.

Como han podido ver muchos espectadores de la película, estamos ante una obra cinematográfica de interés cultural e histórico. Un film moderno sobre cómo han actuado los seres humanos, y donde podemos ver el resultado actual, o la repetición de lo mismo en nuestros días. Según hacia donde llegue nuestra vista, supongo…

Finalmente, me gustaría hacer una mención especial a la banda sonora de Agora, que en este caso la firma el compositor italiano Dario Marianelli, ganador del Oscar por Atonement. Marianelli escribe una partitura honesta, nada melodramática ni tramposa, con un tema principal, de apoyo a la protagonista, que lucha por salir e imponerse a otros temas intensos y contundentes, basados en el empleo de instrumentos étnicos (como el duduk, instrumento de viento muy utilizado en países como Armenia), voces de lamento, coros y música sinfónica. Es la primera vez que el director de Tesis no crea su propio soundtrack, pero la envergadura de la película parecía requerir a un artista musical más redondo y ambicioso. Creo que la decisión ha sido muy certera, ya que el apoyo musical funciona a la perfección con el metraje.

No creo que haya dudas al respecto de que recomiendo fervientemente esta película a todos y cada uno. Simplemente, avisar de que Agora no es Gladiator, ni Ben-Hur (afortunadamente…), ni nada por el estilo. Aunque tenga factura de peplum, es una película divulgativa y personal… de cosecha propia, le coloco el adjetivo de espectacular.

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Uso del teatro en el cine

18 10 2008

El cine, en multitud de ocasiones, se vale del teatro para la creación de las películas; dentro del argumento o del modo de trabajo con los actores, por ejemplo. Hay películas en las que, aunque no se hable de teatro, ni haya una obra teatral en la que el argumento se base, ni surga de la adaptación cinematográfica de una pieza teatral existente, aparece una estructura formal muy cercana a las tablas. Ejemplos hay muchos, entre los que se encuentran películas que disfruté, y sigo disfrutando; tales como Martín (Hache), de Adolfo Aristarain, o Las Horas, de Stephen Daldry

Hoy he visto una película en la que el teatro forma parte del argumento, o de la forma… la verdad es que, aún habiéndola visto, no estoy del todo seguro. Al pensar sobre lo que había visto, recordé otras dos películas en las que el teatro tenían un peso argumental fundamental para el desarrollo de la historia que se contaba.

Una de estas películas es el clásico “Eva al desnudo”, del director Joseph L. Mankiewicz, para muchos la película más y mejor recordada de una de las mejores actrices de todos los tiempos: Bette Davis. La película nos cuenta la historia de Eva, una chica fanática de una actriz teatral de renombre que es acogida por ésta y poco a poco se va introduciendo en el mundillo teatral del New York de los años 40, hasta conseguir su propósito inicial y secreto.

Eva al desnudo se vale del teatro para hablar de la gente que lo compone. En ella, los personajes principales son una actriz, un autor, un director, la mujer del autor, un productor y un crítico, rodeados por demás personajes de este mundillo. Además del hilo argumental principal, en este film asistimos a los entresijos de las obras teatrales, a reflexiones sobre la base del teatro, de la ficción. Eva al desnudo es una película que se disfruta por las maravillosas interpretaciones, por un jugoso y enorme guión y por una dirección de uno de los grandes directores clásicos estadounidenses.

Otra película en la que el teatro se torna importante es “Opening Night”, del director John Cassavets. En esta ocasión, asistimos a los ensayos de una nueva obra, pero la actriz principal un bajón emocional y existencial después de que una fan muera tras intentar verla saliendo del teatro. Esta película se basa sobre todo en este personaje, que borda una magnífica Gena Rowlands, ya que empieza a delirar y a cuestionar su propio personaje en la obra.

Al final, independientemente del hilo argumental (que no os voy a estropear), asistimos a dicho estreno, cuya escena final se compone de un “tour de force” entre esta actriz y el propio director, que hace de parte del reparto de la obra. Pero dicha escena y la representación completa de la obra se hace en un teatro real, con público que ha pagado su entrada para verla. Es muy emocionante asistir a un juego tan complejo entre el cine y el teatro.

Finalmente, os hablaré (o, al menos, lo intentaré) de la película que he visto hoy, y por la cual os cuento todo esto. Se llama “Mon Cas” (Mi Caso) y es del director portugués Manoel de Oliveira. Este director es muy poco conocido en España; de hecho, es prácticamente un director de arte y ensayo para el panorama europeo e internacional, aunque en su país es como Amenábar aquí; es decir, conocido y con buenos resultados en la taquilla.

Pues bien, Mon Cas comienza con el ensayo de una obra teatral. Al abrirse el telón, vemos a un hombre que se cuela y que exige explicar su “caso”. Hay enfados de una actriz, del autor… pero este hombre insiste. Luego, vemos que se baja el telón y se realiza un segundo ensayo, que consiste para mi sorpresa en exactamente la misma escena que antes, pero en blanco y negro y muda, aunque una voz en off nos recita un texto de Beckett.

Se vuelve a bajar el telón, y la tercera toma es otra vez la misma escena pero con el sonido invertido; vamos, para volverse loco (en la que aparece el Guernica de Picasso). Finalmente, vemos que la cuarta repetición es una nueva escena con Job de protagonista, “golpeado por todos los males, que habla con Dios”. No voy a contar el final, pero os diré que la última imagen es la sonrisa de la Gioconda.

Como os podreis imaginar, hubo gente en la sala que se fue, que no pudo soportar tanta ambigüedad, pero he de decir que, aunque la película es muy difícil de seguir, yo la he disfrutado. En realidad, la película para mí va sobre la humanidad. El hombre que explica su caso termina hablando del absurdo de la comedia, de la ficción. Y luego, cuando vemos a Job, se habla de la insignificancia del hombre ante Dios, y de la idea de “juzgar a Dios”, de vivir libres, de dejar de ser pecadores para ser seres humanos.

Total, la película es complicada, pero es curioso como, al principio, el cine plasma al teatro, para al final ver la representación desde el patio de butacas (cuando la cámara se aleja del escenario y vemos a los técnicos y demás del ensayo teatral), desapareciendo el cine y reforzándose el teatro.

En la hoja de entrada antes de la proyección viene un texto en el que se hace una entrevista al propio de director. Su explicación de la película es así:

Mon Cas está compuesta de distintos fragmentos que aparentemente no tienen relación unos con otros. Pero tienen un sustrato común, que es el hombre, la humanidad. La existencia del ser. Ante los hombres y ante Dios. El gran problema es existir sin los otros. (…) La figura de Job representa esa expiación, solo ante Dios… ante la ausencia de Dios… Tan dividido y destrozado como el Guernica (…) Hasta que Dios se apiada de Job y finalmente ven la sonrisa de la Gioconda. Una sonrisa irónica, toda la duplicidad del hombre.

¿Os aclara algo? Bueno, de todas formas diré que Manoel de Oliveira es un director que descrubrí en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, con la película “El Valle de Abraham” (no el Abraham de la biblia, se refiere a un lugar de la zona del Duero, en portugal), y me fascinó, sobre todo la riqueza de guión.

Bueno, es todo lo que quería contaros sobre estas películas relacionadas, de una u otra manera, con el teatro. Aprovecho para recomendaros una miniserie estadounidense que acabo de ver y me parece fabulosa. Se llama “Angels in America”, la dirigió Mike Nichols para HBO, está basada en una obra de Broadway y el reparto es espectacular: Al Pacino, Meryl Streep, Emma Thompson… Total, no paseis sin verla

¡Un Abrazo!